En conséquence, EleV, en partenariat avec les jeunes, les dirigeants et les institutions autochtones, vise à modifier les systèmes afin de permettre aux jeunes autochtones de mieux diriger, de poursuivre leurs aspirations et de contribuer à leurs communautés.

Axé sur le soutien aux apprenants autochtones dans le cadre de leurs études postsecondaires et de leur travail, EleV s'appuie sur la vision des jeunes de Mino-Bimaadiziwin (vivre une bonne vie). Le nom EleV s'inspire de la formation en "V volant" commune aux oies et autres oiseaux migrateurs, reflétant le fait que le leadership est un acte désintéressé, partagé par de nombreuses personnes, à la poursuite d'un objectif plus grand.

Ce livre célèbre et met en valeur les jeunes artistes indigènes, leurs œuvres et leur vision de l'avenir. Il démontre également la complexité des défis auxquels les jeunes autochtones sont confrontés aujourd'hui, ainsi que la multitude d'approches inspirantes que les jeunes adoptent pour y répondre.
Nous avons invité de jeunes artistes autochtones à répondre à une question : "Que signifie pour vous Mino Bimaadiziwin (vivre une bonne vie) ?" Ensemble, les œuvres d'art et les déclarations présentées dans ce livre constituent un appel à l'action et nous incitent à reconnaître l'importance de se réapproprier la sagesse indigène et, avec les jeunes indigènes eux-mêmes, de laisser cette sagesse guider une nouvelle ère de transformation.

Chef Lady Bird

Aimez vos aliments indigènes, aimez vos terres indigènes, aimez votre moi indigène

Chief Lady Bird est une artiste chippewa et potawatomi de la Première Nation de Rama et de la Première Nation de Moosedeer Point, qui est actuellement basée à Toronto, en Ontario. Elle est diplômée de l'Université OCAD en 2015 avec un baccalauréat en dessin et peinture et une mineure en culture visuelle autochtone. Dans sa pratique artistique, Chief Lady Bird utilise l'art de la rue, les ateliers communautaires, l'illustration numérique et les techniques mixtes pour autonomiser et élever les peuples autochtones par la subversion des récits coloniaux, en mettant l'accent sur les réalités contemporaines et les futurismes autochtones en créant un espace pour discuter des nuances de nos expériences.

Ojibway fluide et velouté

Avec tant de syllabes, on pourrait se perdre dans les sons

Qui résonnent, sautent et dansent sur mes lèvres.

Des mots qui ont supplié de s'échapper de l'étroitesse de mes dents

Et de mon haleine chaude

Toute ma vie.

Même quand la langue ne s'est pas encore manifestée,

Elle a toujours été là.

En sommeil, en attente, en attendant son heure

Comme un espiègle filou

Qui manigance

Sur la façon d'attraper les canards.

Ou comme un

volcan qui gronde,

Prêt à entrer en éruption et à déverser sa puissance sur les terres colonisées.

J'imagine un monde où l'on utilise la langue pour ressentir vraiment

Tout.

- Chef Lady Bird

Illustration numérique imprimée sur toile pour une femme et trois poissons autour d'elle
Aimez vos aliments indigènes, aimez vos terres indigènes, aimez votre moi indigène - Illustration numérique imprimée sur toile

Mariah Meawasige

Mariah Meawasige (Makoose) est une Anishinaabe, une pionnière et une créatrice des rives nord du lac Huron. Elle se spécialise dans la conception graphique, mais remet en question les limites de la communication par le biais de l'illustration, de la sculpture, de la vidéo et de la performance. Grâce à son amour des histoires et de la narration, le travail de Mariah vise à explorer les temporalités et les lieux, à cartographier les souvenirs et à établir des relations.

"Pour moi, Mino Bimaadiziwin est un état de connexion et d'écoute profonde qui nourrit nos ancêtres passés et futurs. Nous sommes constamment entourés d'enseignants (sous forme d'histoires et d'êtres, à deux ou quatre pattes et à nageoires) qui sont prêts à partager leurs histoires, leur partie du chemin. Avoir le courage et le respect d'écouter à travers le langage, les interactions, la nourriture, etc. - c'est prendre la décision d'écouter ceux qui nous ont précédés et de travailler pour ceux qui nous suivront. L'établissement de liens significatifs (avec les gens, la terre, les animaux, les objets, les histoires, etc. Mno est l'incarnation de la félicité que l'on trouve dans les connexions pures, intemporelles et intenses avec les autres."

Art numérique jaune
Mno - Art numérique

Audie Murray

Audie Murray est une artiste métisse multidisciplinaire originaire de Regina, en Saskatchewan, territoire visé par le traité no 4. Elle apprend et crée actuellement sur les territoires non cédés des peuples Lekwungen (Victoria). Elle a obtenu un diplôme en arts visuels au Camosun College en 2016 et un baccalauréat en beaux-arts à l'Université de Regina en 2017. Audie travaille avec divers matériaux, notamment le perlage, le piquage de piquants de porc-épic, les textiles, les objets réutilisés, le dessin, la performance et la vidéo. Sa pratique artistique est axée sur le processus et explore des thèmes primordiaux de la culture autochtone contemporaine, de la dualité et de la connectivité avec la présence de la médecine, de la guérison et de la croissance.

le terme "demi-fils" a été utilisé pour décrire le peuple michif - âpihtawikosisân. Ces gants sont un commentaire sur le travail de l'identité culturelle. L'identité michif est perçue comme deux moitiés distinctes, alors qu'elle forme un tout. Cette identité est cousue dans les gants sous la forme de deux demi-fleurs. Les fleurs représentent des demi-fils, mais aussi des demi-soleils, comme un lever ou un coucher de soleil. Elles sont brillantes tout en étant une partie importante de quelque chose de complet. Bien vivre, c'est écouter son cœur et s'honorer soi-même. Vivre d'une bonne manière, c'est raconter les histoires qui doivent être racontées, quand il est juste de le faire"

Gants en fourrure de lapin et perlage
Half Son Gloves - Gants en fourrure de lapin et perlage

Blake Lepine

Blake Nelson Lepine, ou Shaá'koon, est né et a grandi à Whitehorse, au Yukon. Il est issu de familles Tlingit, Han, Crie et écossaise, ce qui représente un beau mélange d'héritages. Les œuvres d'art Tlingit lui ont parlé dès son plus jeune âge, et le fait d'être entouré d'artistes dans sa famille l'a incité à commencer à dessiner dès son plus jeune âge. Il a passé de nombreuses heures à s'entraîner et à perfectionner sa propre forme stylisée et son interprétation de cet art afin de donner une voix moderne à un art ancien, mais aussi de l'orienter vers des supports modernes autres que les formes traditionnelles de sculpture et de peinture de ses ancêtres.

"Mino Bimaadiziwin signifie pour moi vivre en équilibre avec toute la création. Trouver le chemin où tout est honoré comme sacré. Lorsque nous nous donnons la possibilité d'être ouverts à la magie qui nous entoure, j'ai le sentiment que nous vivons d'une bonne manière. Lorsque nous honorons les traditions que nous ont léguées nos ancêtres, nous vivons d'une bonne manière. Lorsque nous nous libérons des traumatismes qui ont jadis empoisonné notre vie quotidienne, nous vivons d'une bonne manière. Lorsque nous apprenons à aimer tous les chemins que la vie nous offre et que nous laissons aux autres la possibilité de vivre les leurs, nous vivons d'une bonne manière. Lorsque nous apprenons à nous aimer vraiment et à nous rappeler qu'il est normal de ne pas aimer certaines parties de nous-mêmes et de nous efforcer de trouver la force de nous améliorer, nous vivons d'une bonne manière."

Cèdre jaune, ormeau, tendon sculpture originale
These Old Colours I've Left Behind - Cèdre jaune, ormeau, tendon sculpture originale

Brent Hardisty

Brent Hardisty est un peintre de style forestier de la Première nation Sagamok qui travaille à l'acrylique sur toile. Son nom spirituel est Niiwin Binesi, ce qui signifie qu'il représente et parle au nom des êtres ailés. Il a vécu dans la ville de Toronto dans ses premières années et a été fortement influencé par la sous-culture du graffiti. Il a fini par se faire un nom dans ce milieu et s'est mis à peindre des fresques murales pour des organisations et des entreprises.

l'expression "Youth Building Lodge" peut être interprétée de deux manières différentes : soit des jeunes qui construisent une hutte de sudation, soit des jeunes plus âgés qui construisent une hutte Midewiwin. Le processus de construction de la hutte est une partie importante des cérémonies qui s'y déroulent. Il s'agit d'un processus communautaire qui démontre l'importance de la communauté pour assurer le bien-être spirituel, physique et mental. Il est important que nous travaillions tous ensemble, jeunes et aînés, pour préserver nos voies sacrées et assurer l'équilibre de la vie. C'est l'objectif de Mino Bimaadiziwin : laisser nos enseignements nous guider vers l'avenir

Œuvre d'art colorée en acrylique sur toile
Youth Building Lodge - Acrylique sur toile

Emily Kewageshig

Emily Kewageshig est une artiste ojibwée des bois. Elle est née et a grandi dans la Première nation Saugeen #29, une petite réserve située sur les rives du lac Huron en Ontario. Depuis son plus jeune âge, elle a toujours créé des œuvres d'art et a trouvé son inspiration dans sa culture anishinaabe et dans l'environnement naturel dans lequel elle a grandi. Son travail se concentre sur les relations entre les gens, les animaux et la terre.

Trois sœurs par Emily Kewageshig
"Pour moi, Mino Bimaadiziwin signifie la capacité de mener une bonne vie. C'est la norme à laquelle je me réfère souvent lorsque je traverse des épreuves et des tribulations dans la vie. Je me pose souvent la question suivante : la vie que je mène reflète-t-elle positivement ma propre façon d'être anishinaabe ? Est-ce que je respecte les enseignements des sept grands-pères dans tous les aspects de ma vie ? Ces questions que je me pose me permettent de réfléchir à mon parcours dans la vie et me donnent également la motivation et l'objectif de vivre mes vérités d'une bonne manière"

Peinture acrylique sur bois
Trois sœurs - Acrylique et huile sur bois

Luke Swinson

Luke Swinson est un artiste anishinaabe, membre de la Première nation des Mississaugas de Scugog Island, qui réside à Kitchener, en Ontario. L'éducation culturelle, la préservation et la progression sont des facteurs clés qui poussent Luke à créer. Son cheminement dans la compréhension et la réappropriation de sa culture autochtone se reflète dans son travail. Ayant été élevé autour des ordinateurs, Luke est principalement un artiste numérique et aime utiliser des méthodes non traditionnelles pour s'exprimer de manière créative.

"Mino Bimaadiziwin (Vivre d'une bonne manière) signifie être attentif à tout ce qui nous entoure. Makwa Dodem Healing met en scène une jeune femme autochtone qui guérit son esprit en se reliant à son clan traditionnel et à sa culture. Dans la culture anishinaabe, "Makwa Dodem" ou "clan de l'ours", entre autres attributs, représente la santé et la guérison. Les cheveux longs et flottants signifient l'esprit grandissant de la femme et son lien avec toutes les choses"

Illustration numérique d'une femme et d'un ours
Makwa Dodem Healing - Illustration numérique

Emma Hassencahl-Perley

Emma Hassencahl-Perley est une Wolastoqey (Malécite) de la Première nation Tobique, au Nouveau-Brunswick. Elle réside actuellement à Fredericton, au Nouveau-Brunswick, où elle travaille comme conservatrice émergente à la Galerie d'art Beaverbrook, instructrice au Collège d'artisanat et de design du Nouveau-Brunswick et artiste visuelle praticienne. Emma a obtenu un baccalauréat en beaux-arts de l'Université Mount Allison en 2017. Son travail critique la relation entre les peuples autochtones et l'État et la société de colonisation du Canada, ainsi que l'exploration de l'identité législative et de sa propre identité en tant que femme Wolastoqey.

"Je crois que vivre d'une bonne manière signifie vivre dans de bonnes relations avec moi-même, avec les autres et avec la terre. Vivre d'une bonne manière signifie me demander des comptes parce que je ne suis pas une personne parfaite et que les autres ne le sont pas non plus. Faire de l'art me permet de rester ancrée dans ce que je suis et dans ce que je veux être : quelqu'un de plus aimant, de plus patient et de plus gentil. L'art me permet de sentir que je contribue à ma nation en perpétuant son histoire visuelle et son identité. Je vis bien en respectant mes traditions et mes ancêtres. Je vis bien en recherchant la vérité dans mon travail"

L'acteur indien se déchire sur la robe rouge du jingle
Ahtolimiye (She Keeps Praying) - Une actrice indienne se déchire sur une robe rouge 2018

Jordan Stranger

Par le biais du crayon, de la peinture ou des plateformes numériques, Jordan Stranger communique l'importance de la vie, de la culture et de l'acceptation. Les œuvres de Jordan sont profondément ancrées dans les traditions des cultures indigènes contemporaines. "La vie est une question de bonheur. Mon travail est un exemple de recherche du bonheur" En tant qu'Oji-Cree, Jordan utilise ses expériences de vie pour nourrir ses passions artistiques. Il a obtenu son diplôme en graphisme au Red River College en 2012 et travaille dans le domaine de la publicité depuis sept ans. Il consacre ses soirées et ses week-ends à son travail artistique et travaille au sein de sa communauté en créant des peintures murales et en organisant des ateliers d'art pour les jeunes et les adultes.

"Pour moi, Mino Bimaadiziwin signifie vivre les sept enseignements sacrés du mieux que l'on peut. Être attentif à tout le monde et à tout ce qui vous entoure. Faire preuve de gentillesse et d'empathie à l'égard de tous les êtres vivants. Honorer ses ancêtres par la pratique culturelle et aider les autres à le faire. Notre peuple a enduré et persévéré à travers de nombreuses épreuves. Saisissez l'opportunité qui s'offre à nous aujourd'hui et reprenez ce que ceux qui ont cherché à vous prendre : ce que vous êtes"

Dessin coloré au crayon sur papier noir
Two Spirited One - Crayon sur papier noir

Kelli Clifton

Kelli Clifton est née et a grandi à Prince Rupert, en Colombie-Britannique. Son père est un Gitga'at de la communauté de Hartley Bay et sa mère est d'origine européenne. Diplômée du programme des beaux-arts de l'université de Victoria, Kelli Clifton a ensuite travaillé comme stagiaire pour les jeunes autochtones au British Columbia Arts Council et au First Peoples' Cultural Council. Clifton est retourné dans le nord pour suivre les cours de la Freda Diesing School of Northwest Coast Art à Terrace, en Colombie-Britannique. Clifton a toujours été intéressée par l'utilisation de son travail artistique comme forme de narration, en particulier en relation avec sa langue Ts'msyen (Sm'algyax), l'histoire de sa famille avec la pêche alimentaire et d'autres méthodes traditionnelles de récolte de nourriture, son éducation côtière et ses expériences en tant que femme des Premières nations.

"Il est incroyable de penser qu'il n'y a pas si longtemps, on interdisait à notre peuple d'interpréter nos chants traditionnels. On dit souvent que nos tambours sont les battements de cœur de notre peuple. Si vous avez déjà entendu nos tambours, vous savez que vous pouvez effectivement sentir leur battement puissant dans votre poitrine. Lorsque je suis retourné à Prince Rupert après avoir vécu à l'étranger pendant huit ans, j'ai enfin pu assister à nouveau à l'interprétation de nos chants traditionnels par notre peuple. Ce fut une expérience très émouvante pour moi, qui m'a aidée à consolider ma décision de rentrer chez moi. J'ai été très inspirée par le tambour et j'ai rapidement réalisé que je n'en avais jamais peint auparavant. Eagle Drum est mon tout premier tambour peint et il me rappellera toujours cette période de transition dans ma vie. Ama diduuls (vivre d'une bonne manière), c'est avant tout honorer nos ancêtres

Tambour d'aigle peinture acrylique sur hyde de cerf
Tambour d'aigle - Peinture acrylique sur hyde de cerf

Joshua Mangeshig Pawis-Steckley

Joshua Mangeshig Pawis-Steckley est un Ojibwé et un colon de Barrie, en Ontario. Il est membre de la Première nation Wasauksing et vit à Vancouver, en Colombie-Britannique, depuis quatre ans. Il est actuellement artiste en résidence au Skwachay's Lodge, au centre-ville de Vancouver. Joshua pratique principalement la peinture acrylique et l'illustration dans le style de l'art sylvestre. Il est maître sérigraphe et diplômé du programme de design graphique du Nova Scotia Community College. Il travaille actuellement à l'illustration de livres pour enfants pour Groundwood Books et Harper-Collins.

"Endaayaan signifie maison en anishinaabemowin. Pour moi, la maison, c'est la famille. Cette peinture représente l'un de mes meilleurs souvenirs de ma vie dans mon rez, lorsque nous nous réunissions dans la minuscule cuisine de ma mère pour prendre le petit-déjeuner en famille. Tout le monde se présentait. La chaleur que nous partagions, les moments, les rires remplissaient nos cœurs d'amour. Nous sommes chez nous. C'est Mino Bimaadiziwin dans sa forme la plus humble"

Peinture colorée d'un groupe de personnes
Endaayaan - Peinture

Monique Aura Bedard

Monique Aura Bedard est une artiste multidisciplinaire Onyota'a:ka (Oneida) et canadienne-française, actuellement basée à Tkaronto. Elle est candidate au DTATI et a obtenu un baccalauréat en beaux-arts de l'Université de Lethbridge en 2010. À travers sa pratique artistique, elle cherche à discuter de l'art en tant que guérison, guérison intergénérationnelle, identité, autonomisation et maternité. Elle compte sur la communauté pour explorer collectivement la narration personnelle et le partage de la vérité.

"Je suis inspirée par les histoires, la mémoire et la guérison, individuellement et collectivement. À travers mon art, je cherche à aborder les traumatismes intergénérationnels dans ma propre famille, en mettant l'accent sur la guérison intergénérationnelle afin de communiquer les expériences de l'intérieur vers l'extérieur. Pour moi, bien vivre, c'est vivre avec son cœur et son esprit. Je crois que marcher sur la terre avec amour et respect aux côtés de toutes les nations et de toutes les relations est au cœur d'une bonne façon de vivre. Mon art est ma voix, ma vérité et un prolongement de ce que je suis. J'espère que mon art atteindra les autres d'une manière qui inspirera des pensées et des sentiments qui éveilleront la curiosité, la réflexion et l'amour de soi

Art numérique de deux personnes de dos
Yákwe' oskánhe | nous marchons ensemble - Art numérique

Aija Komangapik

Aija Komangapik est une jeune artiste inuk qui fréquente actuellement l'université Bishops dans l'espoir de réaliser son rêve de devenir administratrice d'art. Elle aime passer son temps à lire, à dessiner ou à faire des activités de plein air.

"2 Women dépeint la vie d'une bonne manière, car on peut donner à ces deux femmes le sens que l'on veut. Qu'il s'agisse d'un amour entre sœurs, entre mère et fille, entre amies ou même entre amantes, je l'ai rendu juste assez vague pour que le spectateur puisse décider. Ce qui compte vraiment, c'est l'amour qui transcende ce que j'ai voulu dire dans cette pièce. Vivre bien signifie simplement que nous prenons soin de ceux que nous aimons et que nous les soutenons."

Œuvre d'art colorée représentant deux femmes
2 Femmes

Manuel Axel Strain

Manuel Axel Strain est un artiste interdisciplinaire bispirituel d'origine Musqueam/Simpcw/Syilx basé dans le territoire non cédé des peuples Katzie/Kwantlen. Bien qu'elle ait fréquenté l'Emily Carr University of Art + Design, elle apprécie davantage les connaissances qu'elle a acquises auprès de sa mère, de son père, de ses frères et sœurs, de ses cousins, de ses tantes, de ses oncles, de ses nièces, de ses neveux, de ses grands-parents et de ses ancêtres. Strain utilise leur expérience vécue comme source d'action pour étudier différentes manières de guérir et de connaître. Investie d'histoires personnelles et politiques, leur pratique comprend la peinture, la photographie, la sculpture, la performance et l'installation, à travers lesquelles le bien-être mental et spirituel prend une importance primordiale. Le travail de Strain porte principalement sur la religion d'assimilation, la spiritualité, les traumatismes intergénérationnels et la guérison. Leur objectif est de dépasser l'opposition binaire entre le colonisateur et le colonisé pour établir de nouvelles ontologies pour les identités des Premières nations.

"Je suis une personne qui a dû faire face à des problèmes de toxicomanie et de santé mentale au cours de sa vie. Lorsque j'ai appris que j'avais un problème de toxicomanie, j'ai eu l'impression qu'il n'y avait que deux choix : vivre une vie spirituelle, mentale et physique plus saine ou continuer sur une voie destructrice qui me mènerait à une mort lente. Il y a six ans, j'ai choisi de vivre sans substance, non seulement pour améliorer ma santé, mais aussi pour celle de ma famille. Lorsque j'ai entamé ce parcours de guérison, j'ai dû reconnaître que certains aspects de mon identité avaient été négligés. En cherchant à résoudre certains de ces problèmes, je me suis rendu compte que mon histoire et mon identité n'étaient pas uniques. J'ai dû reconnaître que la colonisation a transformé et continue de transformer radicalement la vie des peuples autochtones. Pour moi, vivre correctement signifie s'aimer, se soigner et prendre soin de soi et du monde qui m'entoure

Cèdre jaune, ormeau, tendon, sculpture originale sur s dictionnaire
Smudging the English Dictionary - Sculpture originale en cèdre jaune, ormeau et babiche

Lauren Crazybull

Lauren Crazybull est une artiste visuelle Pieds-Noirs et Dénés basée à Edmonton, en Alberta. Les travaux les plus récents de Lauren ont cherché à explorer la tension et le pouvoir dans le portrait en examinant la relation subtile entre elle-même et les sujets qu'elle peint. En 2019, Lauren a été nommée première artiste en résidence de l'Alberta. En 2018, elle a obtenu la résidence d'un an en studio de la maison McLuhan. À travers son travail, elle comprend que son pouvoir créatif est un moyen poignant d'affirmer sa propre humanité et de plaider de manière diverse et subtile pour la force intellectuelle, spirituelle, créative et politique innée des peuples autochtones.

"En pied-noir, nous disons "Iikaakiimaat", ce qui signifie "faire des efforts" ou "persévérer". J'essaie d'emmener cela avec moi où que j'aille et quoi que je fasse. Pour bien vivre, j'essaie de prendre soin de moi afin de pouvoir apporter plus d'attention au monde qui m'entoure

Acrylique rouge sur toile d'une femme
Self - Acrylique sur toile

Alanah Jewell

Alanah Jewell fait partie du clan de l'ours de la nation Oneida de la Thames. Travaillant principalement avec des médiums numériques et acryliques, son travail est centré sur un mélange d'art contemporain et de style forestier. Son travail reflète son engagement à apprendre sa culture et sa passion pour la création d'une présence autochtone dans la ville.

"La déconnexion est réelle et doit être réparée - en particulier pour nos jeunes - afin de briser les cycles intergénérationnels négatifs que beaucoup d'entre nous ressentent. Une grande partie de mon art reflète un chemin de reconnexion. Aucune ligne ne peut être séparée, seule ou isolée. Car aucun être n'est séparé, seul ou isolé si nous essayons tous activement de nous reconnecter à nos racines. Nous commençons à reconnaître chaque personne, chaque animal, chaque plante et chaque ancêtre comme quelque chose qui nous est proche et qui fait partie de notre vie d'une manière ou d'une autre. L'art indigène n'est pas toujours une simple expression de créativité. Pour moi, c'est aussi une expression de notre histoire, des enseignements que j'ai reçus et de l'importance de ces liens

Illustration numérique d'un ours
Sky World - Illustration numérique

Animikiik'otcii Maakaai

Animikiik'otcii est une artiste et une mère, née et élevée à Toronto, en Ontario. Ses racines sont celles de la nation Anishinaabek, de Kitchenuhmaykoosib Inninuwug, du côté de son père, et de sa mère, dont les ancêtres viennent du Pays de Galles.

"Mino Bimaadiziwin signifie avoir des espoirs et des rêves qui vous inspirent à vivre chaque jour d'une manière qui vous rapproche des choses qui vous font vous sentir entier. Danser le châle est une activité à laquelle j'aspire depuis longtemps et je m'en souviens tous les jours ; cela m'incite à faire les choix qui me mèneront là où je veux être. Vivre d'une bonne manière signifie aussi se débarrasser progressivement des couches de colonialisme pour se rappeler qui je suis, d'où je viens et de qui je viens."

Dessin numérique
Thunderbird Dance - Dessin numérique

Dessin numérique

Chrystal Sparrow est une descendante de la Première nation Musqueam, située sur le territoire non cédé des Salish du littoral de Vancouver, en Colombie-Britannique. Elle est porteuse de riches lignées de Musqueam (Coast Salish), Sechelt (Coast Salish), Cree (Treaty 6) et Esk'etemc (Shuswap). Elle est une artiste et sculptrice salish de la côte de troisième génération et une pêcheuse de quatrième génération qui a été traditionnellement encadrée par son père Irving Sparrow. Chrystal travaille dans des formes d'art traditionnelles et contemporaines avec un style féminin unique d'élégance et de simplicité. Ses œuvres représentent un langage artistique de la culture, des enseignements familiaux et des expériences personnelles qui sont vécues à travers une vision du monde indigène.

"Ma famille est un peuple fort, intelligent et plein d'humour. Nous comprenons que les pratiques culturelles, les droits de pêche et l'autodétermination font partie de nos moyens de subsistance. Mon rôle en tant qu'artiste et sculpteur salish du littoral est de perpétuer une tradition et une pratique importantes. Mon travail permet également de partager l'histoire et de dialoguer sur les bonnes et mauvaises expériences vécues par les Premières nations au Canada. Pour moi, vivre une bonne vie signifie apprendre de nouvelles choses des aînés et de la famille, et se comporter avec respect et gentillesse

20 bois de cèdre rouge, peintures acryliques et cuivre
Coast Salish Female Welcoming HousePost - nə́c̓aʔmat ct - 'we are one' - 20' red cedar wood, acrylic paints and copper

Dayle Kubluitok

Dayle Kubluitok est une artiste émergente originaire de Kangiqliniq (Rankin Inlet) qui vit à Iqaluit, au Nunavut. Elle travaille principalement dans le domaine des arts graphiques et de l'illustration et s'intéresse de plus en plus à la photographie. Elle collabore avec le Nunavut Arctic College en matière de conception graphique et a remporté le concours de couverture de l'annuaire 2019 de Northwestel.

"Quand j'étais plus jeune, je me souviens que ma grand-mère, mes grands-oncles et mes tantes me racontaient des légendes et des mythes inuits qui ressemblaient toujours à des histoires de fantômes. Pour moi, vivre une bonne vie signifie en apprendre davantage sur ma culture et transmettre nos traditions à ma famille."

Art numérique des animaux
Légendes inuites - Art numérique

Kaya Joan

Kaya Joan est une artiste multidisciplinaire afro-caribéenne (jamaïcaine et vincentienne) et autochtone (kanien'kehá:ka et garifuna) qui vit à T'karonto (territoire du traité Dish with One Spoon). Le travail de Kaya se concentre sur la guérison, la transcendance des connaissances ancestrales et la création de paysages de rêve enracinés dans le spiritualisme des terres de leurs ancêtres (l'île de la Tortue et les Caraïbes). La prospective et la pédagogie afro et indigène sont également au cœur de la pratique de Kaya, qui travaille sur des vérités enfouies pour explorer la manière dont la création peut guérir 7 générations dans le passé et l'avenir. Kaya travaille dans les arts communautaires depuis 5 ans en tant qu'animatrice et artiste. Elle est en train de terminer un baccalauréat en beaux-arts dans le cadre du programme de culture visuelle autochtone de l'OCAD.

"I will be well est une pièce qui explore la façon dont je guéris en explorant et en exprimant les intersections du monde céleste, du monde végétal et du monde de l'eau. Dans ce travail, je m'appuie sur les enseignements de Ohén:ton Karihwatéhkwen, les mots avant tout, illustrant la façon dont tout est lié. Je m'exerce à vivre de manière positive en remerciant et en reconnaissant l'esprit et l'énergie de tout ce qui m'entoure. Il s'agit d'une méthode de guérison que j'exprime dans cette œuvre par la couleur et la forme, ainsi que par la superposition des médicaments, du cèdre, de la sauge et du tabac. Ce processus de superposition et de balayage évoque l'interdimensionnalité de la guérison et le fait qu'il ne s'agit pas d'un processus linéaire. Pour bien vivre, je dois être en bonne santé et dans un processus de guérison, afin de pouvoir me montrer à ma famille et à ma communauté

Collage numérique, 2018, gouache, encre, cèdre, sauge, tabac
Je serai bien - Collage numérique, 2018, gouache, encre, cèdre, sauge, tabac

Edwin Neel

Edwin Neel est né à Vancouver BC, a habité diverses villes de l'île de Vancouver et réside actuellement dans la région métropolitaine de Vancouver. Neel a récemment obtenu un baccalauréat en beaux-arts à l'Emily Carr University of Art + Design, au printemps 2017. Neel est un producteur culturel d'héritage des Premières Nations, des nations Kwagu'ł, et Ahousaht du côté de son père et de sa mère respectivement. Neel a reçu une formation formelle à l'école Kwakwaka'wakw de formage et de sculpture par son père David Neel, un sculpteur et bijoutier accompli.

"Mino Bimaadiziwin, ou vivre d'une bonne manière, peut être interprété comme le fait de naviguer dans ce monde et d'interagir avec lui, ses habitants et ses animaux, sans mauvaise intention et d'une manière bon enfant. La "manière" est une entente au sein de la communauté sur des normes de conduite, qui ne sont pas communiquées d'emblée, mais qui sont généralement comprises

Œuvre d'art numérique colorée
Loup de la bonne voie

Keegan Starlight

Keegan Starlight est un artiste autochtone de la nation Tsuut'ina, dans le sud de l'Alberta. Starlight a commencé à pratiquer l'art il y a 18 ans et cela a toujours été sa passion, mais il a officiellement commencé sa carrière pendant ses études à l'Université des arts de l'Alberta (ACAD). Depuis, Starlight a acquis des compétences dans les domaines de l'animation, de la conception, de l'art 2D en studio et de l'enseignement artistique. Starlight a commencé à explorer ses talents artistiques en dessinant sur différents supports tels que les stylos, les crayons et le fusain. En 2008, Starlight a commencé à peindre et a choisi de se concentrer sur les portraits. Son œil unique et créatif pour l'art l'a amené à essayer de nouvelles idées qui ont diversifié ses compétences.

"Pour moi, vivre une vie saine consiste à avoir un foyer positif et un esprit créatif ouvert, à manger sainement, à être active avec mes enfants et à leur laisser leur propre liberté créative. Grandir au sein de la nation Tsuut'ina, dans une communauté très unie, m'a mise sur la voie du partage de la positivité et de l'art dont ma famille m'a gratifiée. Ma famille et ma communauté m'ont appris qu'il est important de s'accepter soi-même et que j'ai la responsabilité d'inspirer les autres. Le buffle représente la force et la stabilité. Le buffle est une représentation visuelle de ce à quoi ressemble une vie saine, une figure forte qui aide à fournir un abri, de la nourriture et des outils

Peinture d'un bison
Buffalo

Hal Cameron

Hal Cameron est un artiste multidisciplinaire de la nation crie de Beardy's et Okemasis, dans le territoire du Traité 6. Il se passionne pour la revitalisation de la langue et pour raconter des histoires à travers son travail. Il a eu la chance de créer un style de travail qui lui permet d'exprimer sa vision du monde crie et de l'associer à la promotion de la revitalisation de la langue. Il continuera à partager avec d'autres de cette manière, dans l'espoir de donner aux autres un aperçu de la façon dont les peuples indigènes voient le monde.

"Miyo Pimatisowin m'apprend à partager les valeurs qui régissent les peuples autochtones depuis des générations. Les œuvres que je crée sont enracinées dans un sens plus profond lié à la vie dans une relation harmonieuse avec toutes les choses. Âsônamâkêwin - "Passing it on" raconte l'histoire d'une aînée qui porte en elle le caractère sacré de la langue. En tant que personne parlant couramment la langue, il est de son devoir de partager ce don, de l'entretenir et de permettre à ce caractère sacré de se développer chez ses enfants. Cette pièce rappelle à ceux qui détiennent encore nos langues indigènes de transmettre ce don

Dessin coloré d'une fille et d'une femme plus âgée
Âsônamâkêwin - "Transmettre"

Mitch Case

Mitch Case est un citoyen de la nation métisse et retrace l'histoire de sa famille à travers les Grands Lacs supérieurs et le sud du Manitoba. Mitch est un artisan perlier qui travaille dans un style floral métis traditionnel, et s'efforce de préserver et de transmettre les connaissances et les compétences de cet art. Mitch a joué un rôle déterminant dans la création de la #beadworkrevolution, un mouvement en ligne et communautaire qui a permis à des centaines de jeunes Métis d'apprendre à perler.

"Les fleurs, les baies, les feuilles et les tiges brillent, scintillent, se tordent et se retournent. Elles reflètent ce que nous étions, ce que nous sommes, ce que nous sommes en train de devenir. En perlant, nous racontons des histoires : de belles histoires, des histoires douloureuses, des histoires sacrées et, oui, quelques histoires à dormir debout. Nous parlons de l'actualité et de nos derniers coups de cœur Netflix - parce que malgré tout, nous sommes toujours là, toujours en train de perler, toujours en train de raconter nos histoires. La belle vie, c'est lorsque nous rassemblons suffisamment d'histoires pour nous reconstruire, afin d'être suffisamment entiers pour créer de nouvelles histoires à transmettre"

Laine Melton, perles de rocaille, perles de poney en bois et en laiton, fil à broder, tresse militaire
Sac Octopus Métis - Laine Melton, perles de rocaille, perles de poney en bois et en laiton, fil à broder, tresse militaire